Francesco Branchetti è un regista e attore fiorentino con una lunga e intensa carriera nel teatro, nel cinema e nella televisione. Dal 2000 ha instaurato una solida collaborazione con i più importanti drammaturghi contemporanei, portando in scena numerosi testi. La sua attività professionale si estende anche alla direzione di opere e concerti e alla partecipazione a programmi radiofonici. La sua attività di regista è particolarmente prolifica, e i suoi numerosi spettacoli hanno riscosso un grande successo di critica e pubblico, portandolo in tournée in tutta Italia con un elevato numero di repliche. I numerosi e importanti premi e riconoscimenti lo premiano per la sua professionalità, dedizione e produttività come attore e come regista. Ma chiediamo direttamente a lui dei suoi nuovi impegni.
Francesco, presto riprenderanno i vari spettacoli teatrali che la vedono protagonista e regista. Ha da anni collaborato con nomi importanti in campo teatrale e non solo.

D: Vuoi dirci quando inizieranno e soprattutto chi saranno i suoi compagni di viaggio?

R: Quest'anno proseguirà la tournée di Malena e il tango con Maria Grazia Cucinotta, proseguirà Racconti di cinema e debutterà El fùtbol con Ettore Bassi. Un altro debutto sarà quello de I duellanti con Lorenzo Flaherty e il sottoscritto, poi proseguiranno le tournée di Una come me con Matilde Brandi. Tornerà in scena anche L'onorevole, il poeta e la signora con me, Lorenzo Flaherty e Isabella Giannone. Nella seconda parte della stagione debutteranno Hollywood con Clayton Norcross, un progetto a cui tengo molto, e altri progetti molto interessanti, uno con Stefania Rocca e uno con Enrico Lo Verso. Sarà quindi una stagione in cui contemporaneamente saranno in tournée molti miei spettacoli, alcuni dei quali mi vedono in veste di regista, altri anche di interprete. È una grande soddisfazione, ma anche una grande responsabilità.
Gli spettatori dei tuoi spettacoli sono immersi in un ventaglio di emozioni e generi, dalla commedia più comica e ironica a quella più drammatica e nostalgica. Le sue scelte sono sempre varie e vincenti.

D: Può dirci, in sintesi, quali sono le novità in arrivo e quali le difficoltà che gli addetti ai lavori si trovano spesso ad affrontare?

R: Le novità in arrivo saranno sicuramente i nuovi testi che porterò in scena. Come sempre nascono da lunghe riflessioni alla ricerca di qualcosa di
nuovo che riesca a coinvolgere il pubblico di oggi, pur rimanendo fedele al mio percorso. Per quanto riguarda le difficoltà, credo che essenzialmente quella che incontra chi fa teatro oggi sia relativa alla grandissima difficoltà di fare squadra e di fare rete. Ci troviamo spesso molto isolati nei nostri percorsi, e questo non rende le cose facili in un lavoro già di per sé difficile come quello del teatro.

D: Lei è uno stacanovista. Crede che la sua dedizione al lavoro, che la impegna quasi totalmente a livello fisico e mentale, ripaghi i sacrifici che fa per la sua professione?

R: Sì, credo che i miei sacrifici siano ripagati, almeno abbastanza. Soprattutto dalle soddisfazioni che mi dà il pubblico, ma anche dai viaggi profondi che mi permette di fare ogni allestimento e, di conseguenza, ogni gruppo di lavoro, ogni nuovo testo... si tratta sempre di nuove avventure e questo mi ripaga profondamente.


In arrivo un nuovo tabellone degli spettacoli, con rappresentazioni di spessore come:
    • “El Fùtbol” con Ettore Bassi
    • “Racconti di cinema” con Ornella Muti, Espedito De Marino, Marta De Marino e Silvia Bianculli
    • “Una come me” di Mauro Graiani con Matilde Brandi e Salvatore Buccafusca
    • “Hollywood” di David Norisco con Clayton Norcross
Sarà poi protagonista e regista nella pièce tratta da Joseph Conrad, “I duellanti”, con Lorenzo Flaherty. Riproporrà inoltre il successo de “L'Onorevole, il Poeta e la Signora”, un'esilarante commedia di Aldo De Benedetti che la vede protagonista e regista insieme a Isabella Giannone e Lorenzo Flaherty. Diversi titoli nuovi e altri già di successo.

D: In quali teatri e di quali città verranno rappresentati gli spettacoli?

R: Saranno tutti spettacoli in tournée nei maggiori teatri italiani, sia nelle grandi città che in provincia. Sono molto soddisfatto, e la mole di lavoro non mi spaventa, anzi mi entusiasma.

D: Francesco, sappiamo che si occupa di produzione, distribuzione e organizzazione di spettacoli oltre che di spettacoli di prosa, concerti e balletti. Vuoi spiegarci meglio il tutto?

R: La mia attività come operatore culturale e distributore procede parallelamente alla mia attività di regista e attore un po' da sempre, per cui le varie attività che svolgo non entrano mai in conflitto l'una con l'altra. Anzi, ogni attività mi aiuta a capire meglio l'altra e viceversa. Ho sempre vissuto il teatro a tutto tondo sin da ragazzo e credo sia la maniera più giusta di affrontare questa professione.
Negli ultimi anni, il teatro, e non solo, stanno subendo una trasformazione. L'ascesa dei media digitali e l'ampia disponibilità di contenuti su piattaforme di streaming e social media rendono le grandi arti, come gli spettacoli dal vivo, degne (purtroppo) di un'attenzione minore, soprattutto nelle nuove generazioni. Per alcuni il teatro è visto come una forma d'arte d'élite. Tuttavia, e per fortuna, il teatro continua a sopravvivere per la sua unicità di esperienza irripetibile e per la connessione emotiva tra attori e pubblico. Per rinascere si cerca di portare avanti il tutto con linguaggi più diretti e inclusivi e rappresentazioni più vicine ai tempi nostri.

D: Cosa ne pensa?

R: Non credo molto nell'ossessiva e continua ricerca di essere, come si può dire, attuali. Io credo che un artista, soprattutto oggi, debba portare in scena ciò che sente per lui importante e urgente da condividere con il pubblico. Deve parlare di testi, di argomenti importanti, ma soprattutto sentiti profondamente. Credo che dobbiamo sì, in parte, pensare al pubblico di oggi, ma non farci condizionare troppo dalle mode e dobbiamo sempre rimanere fedeli al nostro percorso artistico, lavorando su ciò che sentiamo di portare in scena... fedeli alla nostra poetica, insomma. Si dà qualcosa al pubblico solo se si è veramente sinceri davanti a lui, solo se si è se stessi e totalmente veri nel donarsi attraverso un personaggio a chi guarda. E allora sì, forse chi guarda riceve qualcosa di profondo dal tuo lavoro.

D: Ho lasciato un piccolo spazio alla fine per permetterle di condividere con i lettori ciò che le sta più a cuore. Qual è il messaggio più importante che vorrebbe lasciare al suo pubblico?

R: Ritorno un po' a quello che dicevo prima, in questo momento il teatro, e soprattutto in questi ultimi anni, è spesso un viaggio, ahimè, solitario. È molto difficile trovare sul proprio percorso dei compagni di viaggio che poi rimangano con costanza nel tempo. È difficile fare squadra, è difficile fare gruppo, e questo forse dipende molto dall'insicurezza profonda che è dilagata dopo il Covid. Credo che bisogna abituarsi a un percorso quasi sempre solitario e poi, qualche volta, quasi per magia, in questo viaggio ci sono degli incontri, magari brevi, ma non per questo meno importanti o meno intensi. Bisogna gioire per questo, oltre che gioire per avere la possibilità di fare il lavoro più bello del mondo, che per me è e rimarrà sempre il teatro.

Se l’illuminazione è uno stato che è raggiunto da pochi studiosi e ricercatori dello spirito, considerati privilegiati nella loro elevazione, la possibilità di entrare in contatto con un’atmosfera che predisponga al raggiungimento di stati evoluti della propria coscienza, ognuno con il proprio punto di partenza e la propria gradualità di percorso, può essere offerta a tutti.

E il film IL MONACO CHE VINSE L’APOCALISSE, che affronta coraggiosamente l’interpretazione della visione profetica di Gioacchino da Fiore, abate e teologo, filosofo, pensatore rivoluzionario e visionario tra le menti più influenti del Medioevo, fa proprio questo. Con la sapiente regia di Jordan River, da sempre affezionato testimone di introspezione animica, la pellicola accompagna lo spettatore in un viaggio storico e spirituale che accarezza i presupposti per cambiamenti epocali, auspicabili anche per i nostri tempi.

Muovendosi tra i sovrani Riccardo I° d’Inghilterra (Nikolay Moss) e Costanza d’Altavilla (Elisabetta Pellini), l’abate florense (Francesco Turbanti), mantiene un’autorità che i poteri temporali non possono scalfire, e che diventa una pratica da mantenere per affrontare anche i mostruosi controllori dell’aldilà, una volta superato il guardiano della soglia (Yoon C. Joyce).

Lontano dal voler essere una pellicola di stampo religioso, tutti gli aspetti che concorrono alla realizzazione dell’opera, dall’uso delle sfumature della cromoterapia nelle immagini, all’altissima definizione a 12k, e l’uso di onde Theta gestite da Bruno Gioffrè nella colonna sonora di Michele Josia, che stimolano le frequenze creative e intuitive del cervello, trasportano la sala in una dimensione che invita a un approfondimento spirituale per qualsiasi provenienza. Al di là di barriere ideologiche, si è portati a una riflessione interiore attraverso il percorso di esplorazione della teoria gioachimita della Trinità: “Ognuno dei tre cerchi attraversa gli altri due; come la Trinità”, che sembra ti dica che la risposta va cercata nell’annullamento della dualità, verso una terza via che è quella che lui definisce dello Spirito Santo.

 “Si dice che i film debbano lasciare delle domande”, afferma il regista Jordan River, “ma io ho cercato anche di dare delle risposte. L’illusione e il male si annidano dentro di noi e impediscono l’evoluzione umana. Non è la persona che bisogna colpire ma il male che c’è nelle persone. Tutto nasce da un’idea che si muove; e se si riesce a superare quell’idea, si arriva al divino”. Come ci insegna Gioacchino quando tratta il tema del Terzo Tempo della Storia della Salvezza: “La prima fu l’età della paura; La seconda è stata l’età della fede; La terza, dovrà essere l’età dell’Amore”.

Staccatosi dalle linee tradizionali della Chiesa e degli ordini monastici del suo tempo, fonda con pochi suoi compagni l’ordine florense in un eremo concepito come il “fiore”; non come traguardo ultimo, ma come presupposto di speranza della ricerca da cui dovrà nascere il frutto. La sua missione è di identificare i nemici degli imminenti tempi apocalittici finali descritti nella Bibbia, e risvegliare il popolo cristiano addormentato verso la salvezza.

Sembra di ascoltare una cronaca odierna che denuncia l’inerzia passiva degli animi dei cittadini, ma sopraggiunto dal XII° secolo, Gioacchino ci dice che i passi della Bibbia devono essere compresi e interpretati:

“Il libro dell’apocalisse di Giovanni è stato fatto come una ruota interna che si protende fino alla fine dei tempi, e che attraversando la fine rivela la profondità dei misteri”, così detta a un suo discepolo nel film. E se il destino degli uomini, risiede tra due mondi paralleli, quello umano e quello trascendentale, comunque ci svela che tale destino può essere cambiato.

Oltre ad essere definito da Dante “il gran calavrese abate Gioacchino di spirito profetico dotato”, e collocato dal padre dei poeti nel quarto cielo del Paradiso, riservato alle anime sapienti, il suo pensiero ha ispirato artisti e filosofi come Montaigne, Hegel, Joyce e Michelangelo nel dipingere il Giudizio Universale e la Cappella Sistina.

Certamente non conosciuto come meriterebbe, la pellicola fa giustizia al fondatore dell’Ordine florense inducendo a una riflessione sulla vita oltre la vita, e la possibilità di creare una realtà di luce e pace interiore anche in questa dimensione umana. “Ognuno di noi ha tante vite”, spiega River. “Ho voluto raccontare una grande storia che mancava, e questa è la storia della nostra salvezza, non della sua”.

Ognuno è accolto dal film in una frequenza fatta di luce, suoni e spunti di riflessione che predispone all’ampliamento della coscienza. Ma al di là dell’aspetto trascendente, anche la dimensione umana apprezzerà l’atmosfera ammaliante delle riprese, la bellezza inevitabilmente contagiosa delle scene, della musica e dello stato d’essere che crea e dalla quale non si può uscire senza esserne contaminati.

Jordan River lo esprime così: “Ho pensato di fare qualcosa di positivo e lasciarlo ai quattro venti. Se lo spettatore è distratto potrebbe perdersi il senso; ma se è attento coglie il messaggio ed esce dalla sala che ha una forza, perché il monaco vince l’Apocalisse!”.

Al Teatro Argentina di Roma – dal 7 al 25 maggio - Massimo Popolizio (in veste di attore e regista) porta in scena la sua versione della celebre commedia di Harold Pinter, Ritorno a casa (Homecoming) portato alla luce nel 1964. In questa nuova rappresentazione, Popolizio mette in risalto l’aspetto più conturbante dell’opera del famoso drammaturgo inglese, dipingendo uno scenario sordido e composito, sospeso tra drammaticità e ironia.

Fin dal suo inizio, la storia trasporta il pubblico in un contesto domestico completamente abbandonato a sé stesso, teso e visibilmente decadente. In quell’abitazione proletaria situata nella periferia londinese domina una routine familiare fiacca e stantia, incarnata dal ruolo che ogni singolo membro conduce nella sua gretta quanto pittoresca spontaneità. Max (interpretato da Popolizio) è un ex macellaio ed è l’unico che, dopo la morte di sua moglie Jessie, muove le redini della casa, nella quale vi abitano i suoi figli Lenny (Christian la Rosa) e Joey (Alberto Onofrietti), insieme a Sam (Paolo Musio), fratello di Max e da quest’ultimo continuamente vessato. Il contesto casalingo è una gabbia animalesca in cui prevale la forza logorante dell’abitudine, della totale assenza di dignità morale e della grossolana ostentazione di virilità maschile. Tutto si muove come se nell’ambiente non vi fosse traccia di coscienza: i membri della famiglia sprecano il tempo in futilità, sopraffatti dalla leadership di un capofamiglia astioso che “troneggia” grottescamente nel proprio orgoglio rivangando occasionalmente presunte glorie passate del mestiere di macellaio, tramandato a lui da suo padre. Il disordine della casa stessa sembra riflettere quella trascuratezza nei rapporti reciproci; eccetto la testa di bovino appesa alla parete (per l’appunto), unico vanto che funge da “trofeo in vetrina” capace – a detta di Max – di procurare un briciolo di credibilità all’onore della famiglia.

La normalità viene spezzata dall’arrivo inaspettato di un altro figlio di Max, ovvero Teddy (Eros Pascale), professore di filosofia di ritorno dall’America. Teddy - all’insaputa di suo padre – è sposato con Ruth, giovane e avvenente ragazza, con la quale ha avuto tre figli. Il suo ritorno nella casa di famiglia decostruisce l’ordine di ruoli consolidati, familiari e sociali, all’interno del quale la sola voce in capitolo, atta a comandare e a stabilire regole, era quella impositiva di Max. Ruth si dimostrerà più astuta di quanto gli altri membri della famiglia possano aspettarsi, considerandola semplicemente mero “oggetto di piacere” funzionale alla gratificazione del maschio. Nel caso di Ruth sarà proprio la smania di piacere e godimento a portata di mano di Max, Lenny e Joey a trasformarla in una manipolatrice femme fatale con desiderio di potere; la forza misogina di Max e della sua famiglia, con l’esclusione di Teddy – vera vittima della situazione –, si rivelerà essere in realtà la grande debolezza di cui Ruth si farà gioco. Alla fine, contro la volontà di suo marito Teddy, che tornerà negli States da solo dai loro tre figli, Ruth deciderà di rimanere con Max e il resto della famiglia in Inghilterra per darsi alla prostituzione, mestiere che grazie alle sue doti femminili potrebbe rivelarsi redditizio per tutti. Tuttavia, sarà lei a stabilire le condizioni sugli alloggi e le relative comodità, fino ad avere l’ultima parola su ogni aspetto. Contrariamente agli imperativi incalzanti di Max, in Ruth c’è l’abile affermazione di una volontà che non si impone con la voce, bensì con un simbolismo corporeo che sfoggia tutta la sua sensualità.

Tutto si chiude con una considerazione finale. Il ritorno nella casa natia da parte di Teddy dopo anni dimostra l’inconsistenza di un concetto di “casa” che sfugge al suo significato più autentico. Non può esistere casa senza famiglia, né famiglia senza appartenenza. Teddy spera ingenuamente in un legame primigenio che, malgrado le evidenti differenze rispetto al padre e ai fratelli, avvicina e riduce le distanze; ma soprattutto, scardina l’idea di famiglia radicata sulla mera condivisione di spazi. Il distacco affettivo tra familiari rende ognuno dei protagonisti nient’altro che una presenza ingombrante e autoreferenziale. La “casa” di cui parlava Pinter, non accoglie, non lenisce i dolori di una persona amata ne ristora dagli affanni della quotidianità. La casa diventa uno scenario tragico e ambiguo allo stesso tempo, totalmente deprivato della sua più genuina umanità.

Il vuoto affettivo che l’intimità familiare dovrebbe colmare lascia il posto alla dialettica tra desiderio e vulnerabilità. Ruth svolge il suo lavoro sessuale per riconquistare la sua “autorevolezza” femminile, sentirsi sicura e a proprio agio con la sua vera natura anche in luoghi a lei sconosciuti, verso i quali non condivide familiarità alcuna. La famiglia di Teddy, nel suo torpore domestico, vede nella new entry l’occasione propizia per scuotere la polvere di quella dinamica routinaria, colorita e indolente. Max e suo figlio Lenny pensano alla ragazza come a un soggetto inerme, da soggiogare e imprimervi la loro autorità come garanzia per un sicuro ritorno nel circuito degli affari di famiglia. In realtà, l’intento di Ruth svela con indubbia chiarezza proprio quel male dal quale verrà tutto quanto a dipanarsi: la casa non è più un rifugio, nemmeno per coloro che la abitano da tempo, ma una trappola che invece di arginare accresce l’abbrutimento e alimenta frustrazioni e sentimenti repressi.

La storia si sviluppa come coabitazione forzata, intervallata, grazie all’effervescenza registica ed attoriale di Popolizio, da situazioni brillanti e tragicomiche, che smorzano l’aspetto più turpe e crudo della realtà raccontata. Non mancano, tuttavia, quei silenzi prolungati che sostituiscono la verbosità dei personaggi per spostare l’attenzione su quel nulla che penetra nell’animo come nei meandri della casa. Popolizio ripropone con un’incisività autoriale l’immagine di un microcosmo sociale che Pinter aveva portato per la prima volta in scena negli anni ’60: la famiglia è lo specchio fedele dei grandi cambiamenti della società, di quel caos latente che diviene escalation, genera attriti con l’ambiente circostante, trasforma chi ci è più vicino in un estraneo. E proprio nella rivendicazione narrata da Popolizio, si nasconde, tra i nostri desideri insoddisfatti, il germe della disgregazione.

Sì, esistono anche le orchestre un po’ stonate. Con gente abituata al piccone e al martello, che si ritrova tra le mani una tromba o un clarinetto. Con compagni che vanno su sentieri più o meno interrotti, lungo argini di canali poco illuminati, alla ricerca di attimi di oblìo, lontani dal timore di un ultimo naufragio.

Orchestre stonate, dove si coltivano sogni sfilacciati e, semplicemente, ci si conforta dello starsi vicini, del condividere qualcosa che ti allarghi il respiro, qualcosa che riesca a coltivarti dentro il desiderio di un domani.

Poi, all’improvviso, ci si ritrova a percorrere lo stesso campo arato, a navigare sulle stesse acque che vanno, tumultuose o placide, verso il centro del cuore.

E, allora, ti ritrovi lì, sulla poltrona, col Bolero di Ravel che ti rimbalza dentro l’anima, con gli occhi umidi e le luci che malignamente si accendono.

E capisci, allora, che ti è stato fatto un dono immenso e imprevisto:

impregnato di lacrime e consolato da un sorriso …

L’ORCHESTRA STONATA ( EN FANFARE)

Lingua originale: francese

Paese di produzione: Francia

Anno: 2024

Regia: Emmanuel Courcol