L'informazione non è un optional, ma è una delle condizioni essenziali dell'esistenza dell'umanità. La lotta per la sopravvivenza, biologica e sociale, è una lotta per ottenere informazioni.

Cultural Events (210)

    Marzia Carocci

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A Roma succede di sentirsi in vacanza nelle giornate di agosto, quando la mattina, le strade del quartiere sono silenziose e il passaggio delle macchine di chi è rimasto per lavoro, sulla strada principale, ha il ritmo e il suono delle onde che si infrangono sulla battigia. Non c’è l’ansia della ricerca del parcheggio e i pedoni un po’ per la mancanza di traffico, un po’ per il caldo, camminano più lenti e rilassati, senza fretta. Non c’è fila alla posta, i negozi sono quasi tutti chiusi. Sono andati in vacanza anche i vestiti dei manichini del negozio di abbigliamento, lasciati nudi, di schiena e in fila contro il vetro della vetrina, come una barriera contro chi avesse dei dubbi sulla chiusura del negozio o volesse attentare alle sacrosante vacanze.
Chi si sente solo, armandosi di pazienza nell’attesa delle diradate corse d’autobus, potrebbe spostarsi in centro, dove gli stranieri fanno numero.
I musei offrono rifugio dal caldo e l’opportunità di viaggiare nello spazio e nel tempo. Viaggio esotico alle Scuderie del Quirinale con i Capolavori della scultura buddhista giapponese. Al Complesso del Vittoriano, il fascino liberty delle donne di Alphonse Mucha. Ai Mercati di Traiano Made in Roma. Marchi di produzione e di possesso nella società antica permette un confronto tra il consumismo e lusso antico e quello contemporaneo. Contrasto di antico e contemporaneo anche con Ugo Rondinone. Giorni d’oro + notti d’argento, l’installazione ai Mercati di Traiano consiste in 5 calchi di ulivi millenari di Puglia e Basilicata in alluminio verniciato di bianco, l’archeologia industriale dell’ex mattatoio, sede del MACRO Testaccio, accoglie l’altra installazione dell’artista svizzero. Ai Musei Capitolini, le già ricche collezioni permanenti, sono affiancate da due mostre temporanee: La Spina. Dall’Agro Vaticano a Via della Conciliazione. Materiali, Ricordi, Progetti e La Misericordia nell’arte. Itinerario giubilare tra i Capolavori dei grandi Artisti Italiani.
La sera si può andare a spasso nel tempo con le ricostruzioni virtuali dei Fori di Augusto e di Cesare.

 Il 3 e il 5 agosto scorso si sono svolti, il primo ad Anzio e il secondo a Lavinio, ambedue località sul mare vicino Roma, due spettacoli di danza folkloristica indiana, organizzati nell’ambito del Festival dell’India in Italia, “Rhythm of India”, promosso ed organizzato dall’Ambasciata dell’India a Roma e dal Ministero della Cultura Indiano, in collaborazione con AQ International, società di promozione culturale italiana.

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Con il microfono in mano (da sinistra) l’ambasciatore dell’India in Italia
S.E. Anil Wadhwa e Salvo Cacciola ceo di AQ international

Le manifestazioni sono parte di un Festival itinerante, a carattere nazionale, al quale parecipano 3 gruppi folkloristici che si esibiscono in diverse date e in più località: Anzio, Roma, Cori, Anagni, Assisi.       

Dei tre, i “Kalbelia” si sono già esibiti ad Anzio il 3 Agosto scorso, mentre Il 5 Agosto a Lavinio, che è una frazione di Anzio, si è esibito il “Kathak Group”.

I ritmi, le evocazioni religiose, le atmosfere tipiche della vita quotidiana e della tradizione indiana hanno letteralmente coinvolto tutti. Il “contatto diretto e spontaneo” nelle  DSC9736piazze, luoghi deputati alla vita pubblica per eccellenza, ha sortito il suo effetto. Oltre al pubblico, numerosissimo, ovviamente la comunità indiana del litorale laziale al completo.

La perfomance e la danza “Kalbelia” ha origine nelle zone rurali del Rajasthan; i movimenti vogliono ricordare e replicare il movimento dei serpenti e della vita gitana di alcune comunità indiane che vivono in questa regione. Bellissimi i costumi, soprattutto le gonne nere delle danzatrici, finemente ricamate a mano. La forza di queste danze sta nella spontaneità della perfomance: le coreografie sono spesso accompagnate da improvvisazioni, anche musicali.

Nel 2010 l’UNESCO ha riconosciuto il gruppo, le canzoni e i balli della Regione del Rajasthan e quindi il Kalbelia folk, Patrimonio dell’Umanità.

il Kathak Group che, tra l’altro si era esibito il giorno precedente presso l’Auditorium della FAO a Roma, è stato guidato da Shovana Narayan, artista di fama internazionale, onsiderata la più grande danzatrice di Kathak al Mondo. La sua eleganza e forza interpretativa hanno letteralmente incantato il pubblico. Il Kathak è una danza e un genere

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il Kathak Group con  Shovana Narayan (al centro con veste chiara)

musicale originario dello Stato dell'Uttar Pradesh.Il nome Kathak deriva dal sanscrito katha, che significa storia, e kathaka ossia colui che narra una storia.

Presenti alle serate l’Ambasciatore dell’India in Italia S.E. Anil Wadhwa, sua moglie Deepa Gopalan Wadhwa ed il consigliere Gianfanco Tondini, in rappresentanza del comune di Anzio.

LA CULLA DELLA CULTURA PACIFISTA NEL MEDITERRANEO TRAE LE SUE ORGINI DAI SISSIZI DI RE ITALO DA CUI PARTE LA SCELTA DI UNA DIETA PARCA E VEGETARIANA EREDITATA POI DA PITAGORA DAL QUALE   TRAGGONO ISPIRAZIONE GLI ESSENI CHE A LORO VOLTA PROBABILMENTE ISPIRARONO IL PENSIERO DI GESU’

 

I Sissizi erano i pasti in comune, in genere di comunità di 15 membri, che si riunivano giornalmente per consumare il pasto. Le spese erano ripartite in parti uguali tra i partecipanti, che corrispondevano  mensilmente la propria quota in natura e, in parte, in danaro. Chi non era in grado di contribuire veniva retrocesso nella categoria degli (inferiori), perdendo anche i diritti politici. La quota che bisogna fornire era circa: 3 kg di formaggio, 1,5 kg di fichi, 35 litri di vino.

A dire di <https://it.wikipedia.org/wiki/Aristotele> Aristotele l’ideatore dei Sissizi fu Re Italo, nel territorio dell'attuale Calabria, e che poi tali Sissizi si diffusero in tutta l'area del Mediterraneo, compresa Sparta, Creta ed Egitto, dove con la partecipazione si acquisiva il pieno diritto di cittadinanza. Ai Sissizi era obbligatorio partecipassero anche i re.

Il cibo e le bevande erano uguali per tutti i partecipanti, ma ai cittadini più ragguardevoli (ai re, agli <https://it.wikipedia.org/wiki/Efori> efori, ai membri della <https://it.wikipedia.org/wiki/Gerusia> gerusia  <https://it.wikipedia.org/wiki/Gerusia> , ma anche a chiunque avesse reso particolari servigi alla comunità) erano riservati posti d'onore, precedenze e porzioni particolari. Il menu era sobrio ed era basato su: pane d'orzo, brodo nero, formaggio, fichi e a raramente cacciagione.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Cacciagione> I sissizi caddero in disuso alla fine del 4° secolo a.C., ma furono ripristinati, intorno al 240 a.C., dal re Agide IV <https://it.wikipedia.org/wiki/Agide_IV> , che trasformò le ristrette comunità conviviali della tradizione in gruppi che contenevano tra 200 e 400 membri.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Agide_IV> In sostanza, si può far risalire al re Italo (vissuto, secondo il mito, 3500 anni fa e fondatore dell’Italia nella terra compresa tra i golfi di Squillace e Lamezia) la nascita della   democrazia nel Mediterraneo, cioè il primo Stato e la prima Nazione denominata “Italia” , con l’istituzione dei “Sissizi”: pasti comuni vere e proprie assemblee sociali e politiche.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Agide_IV> Dice Salvatore Mongiardo, scrittore calabrese: “Il re Italo aveva convertito il popolo degli Enotri da allevatori di animali in agricoltori e aveva dato a quel popolo il nome di Itali (Politica VII, 10). Aristotele con quella frase certifica la nascita, assieme all’Italia, della dieta mediterranea, perché quella terra produceva frutta, verdure, cerali, castagne e ulive dalla primavera fino all’inverno  inoltrato. Pitagora, in ringraziamento per la scoperta del suo famoso teorema, offrì agli dei un Bue di Pane. Nelle fiere della costa ionica si vendono ancora oggi i mostaccioli di Soriano Calabro, fatti a forma di

animali con farina e miele: bue, capra, cavallo, pesce. I mostacciolari di Soriano sono gli inconsci continuatori di una tradizione che risale a Pitagora, il quale usava quelle forme sostitutive per non uccidere l’animale, che considerava un fratello minore al quale l’uomo doveva aiuto e protezione. Il Sissizio fu la culla dell’eucaristia, come ho dimostrato nel mio ultimo libro “Cristo ritorna da Crotone”. Il convivio comunitario diventò Sissizio Pitagorico a Crotone; trasmesso poi agli Esseni, fu l’Ultima Cena di Gesù, come ormai alcuni teologi ammettono e scrivono”.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Agide_IV> Pitagora, che prima a Crotone e poi a Taranto fondò le sue scuole (che anche Platone venne a visitare), assorbì gli usi ed i costumi di questo popolo pacifico e fondamentalmente vegetariano facendo di tale stili di vita il cardine della sua filosofia che influenzò molti filosofi e la stessa cultura mediterranea.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Agide_IV> Gli Enotri erano un'antica popolazione stanziata attorno al 15° secolo a.C., in un territorio di grandi dimensioni, che da questi prese il nome di Enotria (da Enotro figlio di Licaone), comprendente le attuali Campania meridionale, parte della Basilicata e la Calabria.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Agide_IV> Gli Enotri, capeggiati dal re Italo, giunsero nell’area catanzarese intorno al 15° sec. a.C. a causa della sconfitta subita da parte dei Lucani, in Puglia, Basilicata e Calabria  settentrionale che spinsero questo popolo a scendere fino ad occupare parte della Calabria centro-meridionale fino all'attuale zona della piana di Gioia Tauro.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Calabria> L'integrazione con le popolazioni locali fu pacifica e consentì un ulteriore aumento della popolazione soprattutto sulla costa.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Calabria> L'organizzazione politica degli Enotri fu prevalentemente di tipo federativo. Più villaggi, correlati tra loro da vitali interessi, costituirono e fondarono le “città”, nelle quali risiedevano le più alte istituzioni politiche e religiose.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Calabria> Gli Enotri seppero sfruttare le possibilità offerte da un ambiente naturale quanto mai fertile e fecondo e presto furono maestri nell'agricoltura e nell'artigianato, grazie anche alla ricchezza delle cave di argilla, degli scambi commerciali, delle prime leggi improntate ad una cultura sempre più tipicamente urbana.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Calabria> Dionigi di Alicarnasso dice che gli Enotri erano i più antichi colonizzatori provenienti dalla Grecia, dai quali si sarebbero poi distinte le popolazione degli Itali, Morgeti e Siculi.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Calabria> Ecateo da Mileto li descrive come un popolo di montanari, dedito alla pastorizia, che rese abitata ogni contrada della fertile terra di Ausonia. In antichità un popolo di pastori godeva di grande stima e rispetto, perché portatore di straordinaria potenza e saggezza.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Grecia> Polibio parla degli Enotri come di un popolo in possesso di “ogni virtù, per onestà di costumi, benignità della natura, ospitalità verso tutti, e diverso dagli altri greci per colpe e crudeltà; notevole per religioso rispetto verso gli dei”.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Grecia> Virgilio declama l'Enotria “terra antica, potente in armi e feconda, che gli Enotri coltivarono, e i posteri la chiamarono Italia, dal nome del loro signore”.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Polibio> Omero descrive gli Enotri come un popolo in uno stadio di civiltà avanzato, che il re Italo aveva convertito all'agricoltura favorendo i traffici tra Asia, Africa ed Europa, immergendoli in un fermento di idee e ricchezze.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Publio_Virgilio_Marone> E il popolo dei Feaci descrisse gli Enotri come un popolo quanto mai felice, perché vicino al regno degli dei, le cime dei monti dove risiedevano le divinità celesti.

<https://it.wikipedia.org/wiki/Publio_Virgilio_Marone> Secondo Antioco di Siracusa, il successore di Italo, fu Re Morgete che governò l'odierna Calabria sino a quando questa non fu invasa dai Bruzi, un popolo dalle  ignote origini che si stabili nella parte centro-settentrionale della regione, ed elesse come capitale Cosenza. <https://it.wikipedia.org/wiki/Publio_Virgilio_Marone>

I fuochi d'artificio che la sera del 29 giugno celebrano la festa dei patroni di Roma, i Santi Pietro e Paolo, si trasferiscono quest'anno a piazza del Popolo. Non si tratta di uno stravolgimento moderno o di una decisione arbitrariamente originale. Già nel XVI secolo, infatti, tale spostamento era stato fatto a seguito dei lavori per la costruzione dell'attuale basilica di San Pietro. Tutti i solenni riti pontifici vi furono trasferiti, probabilmente perché la chiesa di Santa Maria del popolo, era la prima che si incontrava entrando in città provenendo da nord. Bramante ne avrebbe per l'occasione ingrandito il presbiterio, decorato poi dal Pinturicchio.
La tradizione vuole che il nome della piazza sia dovuto al fatto che papa Pasquale II (+1118) avesse fatto realizzare, a spese del popolo romano, la cappella dedicata alla Madonna, addossata alle mura urbiche e in prossimità della porta, da cui ebbe origine la chiesa. L'aspetto attuale della piazza fu determinato dalla sistemazione per l'ingresso in città della regina Cristina di Svezia nel XVII secolo, poi completato dall'intervento del Valadier nel XIX.

I giardini e la terrazza del Pincio, uno dei punti panoramici più belli di Roma, saranno un fondale meraviglioso per lo spettacolo di luce che, anche quest'anno, sarà enfatizzato dalla musica. Accompagnamento musicale che pure ha antiche tradizioni, tra i più celebri componimenti, quelli di Händel per i Reali fuochi di artificio, commissionati da Giorgio II di Gran Bretagna.
Componimenti ad hoc, furono composti per gli altri fuochi artificiali che si tenevano a Roma, sempre il 29 giugno per i Santi Pietro e Paolo, a conclusione della festa della Chinea.
I fuochi, anche nel passato, costituivano il culmine e la conclusione dei festeggiamenti, ne rimaneva il ricordo e ne assicurava la diffusione, la copiosa tiratura di stampe. Numerosi anche i dipinti, frutto dell'impressione suscitata negli animi degli artisti nei secoli. La nascita della fotografia ha poi modificato ulteriormente il modo di conservarne traccia nella memoria.
L'origine dei fuochi d'artificio si perde nel tempo e nei luoghi, forse in Cina o in India. In Italia arrivano già nel XIV secolo portati forse dai crociati o dai pellegrini e da qui, poi, diffusi al resto d'Europa. Il fascino ammaliatore che li contraddistingue è forse dovuto a quel misto di arte e guerra che li connota. Così come la somiglianza con gli eventi naturali piroclastici che caratterizzano l'attività eruttiva dei vulcani, che scatenano quel sentimento del sublime, codificato nel Romanticismo.
Comunque sia la prima Girandola, tradizionalmente, viene fatta risalire al 1481 e alla celebrazione del l'anniversario dell'elezione di Sisto IV della Rovere, il papa che costruisce la Sistina e che, nel 1471, con la restituzione dei bronzi romani tra cui la lupa, fonda il primo nucleo dei Musei Capitolini al Campidoglio.
Lo spettacolo si teneva non solo per la festa dei patroni di Roma, ma anche per celebrare l'incoronazione dei papi, i successivi anniversari della stessa e la visita di sovrani stranieri.

Dopo Amatrice, è ora la volta dell’Abbazia di Farfa, di presentare il volume dedicato agli Spazi della Preghiera, Spazi della Bellezza, come spiega il complemento del titolo. Il volume su Ama-trice è stato presentato a Roma ai Musei Capitolini. Questo di Farfa, invece, proprio presso l’Abbazia oggetto della trattazione.
È un sabato di sole e arrivando si gode lo spazio della bellezza naturale della Sabina laziale, nella provincia di Rieti e in particolare nel territorio del Comune di Fara Sabina, che ha spinto i monaci a fermarsi qui: la bellezza del creato che spinge alla preghiera, una preghiera di rin-graziamento per tanta felice armonia. In più, questo è il fine settimana dedicato alla manife-stazione Farfa in fiore, nel campo- giardino che introduce al borgo abbaziale, sono allestiti gli stands con il caleidoscopio di colori delle piante comuni e non. La natura coltivata, intervento dell’uomo sul dono che ha ricevuto. Con il biglietto d’ingresso si riceve la Guida ai Comuni Fioriti d’Italia, ottava edizione del 2015.
L’armonia continua nel borgo, dove la preghiera si è unita all’operosità nelle botteghe, un tempo dedicate ai mercanti che arrivavano in occasione della fiera, ora sede di negozi affascinanti per il loro sapore antico, conferito non solo dalla struttura architettonica, caratterizzata dall'ar-chitrave ligneo che connota ognuno degli ingressi, ma anche dalle “merci”. La tradizione della fiera è in qualche modo conservata dal mercatino che si tiene ogni prima domenica del mese. Tra i negozi più affascinanti e particolari, quello dei tessuti artigianali, con un antico telaio all’interno.
Nel cortile antistante alla Chiesa di Santa Maria di Farfa che dà il nome al Complesso Abbaziale, si stanno raccogliendo, davanti alla facciata, dove gli elementi decorativi sono costituiti da frammenti di sarcofagi, gli invitati dell’imminente matrimonio.
La presentazione ha luogo nel refettorio seicentesco. All’interno di una imponente struttura ar-chitettonica dipinta, si svolgono le scene pittoriche attribuite, in modo “abbastanza concorde” dalla letteratura artistica, a Vincenzo Manenti. In centro, La cena di Cristo in casa del Fariseo, è inquadrata in un’ampia cornice semplice, evidenziata da un drappo rosso, come una tenda ancorata al fastigio superiore, aperta per lasciar vedere la scena: Cristo, seduto in primo piano all’estrema destra, in tunica rossa e avvolto nel mantello azzurro, sporge il busto in avanti verso la Maddalena prostrata ai suoi piedi, adorante e penitente. All’estremità opposta si anima il banchetto, al di qua dell’angolo formato dalla tavola, coperta da una tovaglia bianca che arriva fino al pavimento, un personaggio ci volge le spalle. L’architettura classica sullo sfondo si apre in un arco, che conduce lo sguardo dello spettatore in profondità, su un paesaggio sfumato, con i volumi degli edifici disposti sulla diagonale. Ai lati, inquadrate da colonne e terminanti in una superficie stondata, caratteristica delle pale d’altare, le due scene raffiguranti rispettivamente, episodi della vita di San Benedetto e San Tommaso di Morienne.
Il Padre Priore Dom Eugenio Gargiulo, ha presentato il volume, come primo di una collana, che, tra le prime pubblicazioni, vedrà quella degli atti dei convegni tenutisi nell’Abbazia. Sono seguiti i saluti delle autorità e del rappresentante del Fondo Edifici Culto, proprietario della chiesa abbaziale, dall’epoca degli espropri post unitari. La storia dell’Abbazia è lunga e complessa, vi risiedono i monaci benedettini, fino a qualche tempo fa il Complesso dipendeva dai monaci dell’Abbazia della Basilica di S. Paolo fuori le Mura a Roma, dove importanti manoscritti provenienti da Farfa sono tuttora conservati. Anche a Roma i monaci stanno valorizzando e a-prendo il patrimonio che conservano, favorendo gli studi nel campo archivistico e bibliotecario, di recente è stato presentato il nuovo allestimento del giardino interno, accessibile con visita guidata.
Il professor Umberto Longo ha illustrato la composizione del volume che non si limita all’importante e determinante storia medievale del complesso, ma anche ai periodi storici suc-cessivi che hanno lasciato tracce importanti nell’Abbazia.
L’architetto Antonio Bureca, Soprintendente alle Belle Arti e Paesaggio per Frosinone, Latina, Rieti e Viterbo, ha ribadito l’importanza dei restauri come preziose occasioni di approfondimento e aggiornamento degli studi. Ha tracciato anche, a grandi linee, la storia della Soprintendenza, che si trova in piena riforma, con l’espansione della cura anche ai beni archeologici che, in precedenza, venivano gestiti da una differente soprintendenza. Accorpamento che se da un lato, si auspica, favorirà la comunicazione tra professionisti di aree diverse, dall’altro, si teme per la mole di interventi congiunti che dovrà essere operata, sperando di non lasciare indietro niente di determinante.
La curatrice della pubblicazione, Isabella del Frate, ha sottolineato la collaborazione tra istituzioni e studiosi di aree diverse e le nuove scoperte e attribuzioni. In particolare lo spostamento dai fratelli Zuccari a Girolamo Muziano delle opere manieriste.
L’affascinante intervento del professor Bruno Toscano ha concluso la presentazione. Il profes-sore ha condotto l’uditorio nel vivo della storia dell’arte, nell’apertura di orizzonti che caratte-rizza la disciplina negli ultimi tempi. Apertura di fatto geografica, testimoniata dal confluire di esperienze e collegamenti insospettabili da luoghi disparati e lontani fra loro, non solo geogra-ficamente. Farfa ne è un esempio, come territorio dove confluiscono suggestioni non solo dalle vicine Umbria e Abruzzo, ma anche d’oltralpe. L’importanza dell’aver esteso oltre il medioevo gli studi è rafforzata dal fatto che, proprio dalle opere presenti nel territorio, possiamo farci un’idea della pittura del Quattrocento, quasi del tutto perduta a Roma. Testimonianza delle in-fluenze d’oltralpe, l’Ecce Homo scolpito nel frammento architettonico di difficile individuazione di appartenenza dell’opera d’origine e soprattutto il Giudizio Finale nella controfacciata della chiesa, di mano fiamminga. Il Professore ipotizza che la mancanza di documentazione relativa all’esecuzione dell’opera, grande e imponente, per bellezza e per l’estensione della superficie coperta dalla pittura, sia dovuta ai bellissimi e potenti nudi, presenti in una chiesa abbaziale in epoca di Controriforma. Riprendendo il discorso sugli accorpamenti delle soprintendenze si la-menta il fatto che, a livello istituzionale, continuino a occupare energie e risorse i centri come Venezia, Firenze, Pompei, quando ormai, la separazione tra centro e periferia, appare una ac-quisizione superata. Sopratutto, incredibile, è pensare di continuare a considerare periferiche entità come la Reggia di Caserta.
Unico appunto che è stato mosso al volume e che apre un’altra questione dibattuta, è sulla qualità delle foto. Ma è possibile muovere una critica in tal senso, con la crisi dell’editoria, in una società che sta perdendo il gusto di molte cose e tra queste la bellezza del libro come oggetto d’arte?

Spazi della Preghiera, Spazi della Bellezza. Il Complesso Abbaziale di Santa Maria di Farfa,
Palombi Editori, Roma 2015, 243 pp., ill. €. 35,00

Si è conclusa con successo domenica 22 maggio 2016 nel parco di Villa Pamphilj, presso la Cascina del Bel Respiro, antica vaccheria dei Principi Pamphilj, ingresso di Via Vitellia 102, a Roma, la cerimonia di premiazione della Terza Ragunanza di Poesia. Una mattinata nel segno della condivisione tra poesia e natura, che ha visto una notevole partecipazione di pubblico, con la presenza di poeti provenienti da ogni parte d’Italia.

Ha aperto la manifestazione la presidente del premio Michela Zanarella, che ha spiegato il significato del termine barocco ‘ragunanza’, i raduni degli artisti, che Cristina di Svezia era solita organizzare con la sua Arcadia, poi la Zanarella ha dato voce ai componenti della Giuria, composta da Roberto Ormanni(Presidente di Giuria), Giuseppe Lorin, Dario Amadei, Elena Sbaraglia, Lorenzo Spurio e Fiorella Cappelli. Sono intervenuti il musicista Alfredo Tagliavia, che si è esibito alla chitarra, insieme al M° Mauro Restivo, i loro omaggi in musica sono stati molto apprezzati. Era presente l’assessore alle politiche culturali e sportive Tiziana Capriotti, che ha anche premiato alcuni autori. L’attrice Michela Cesaretti Salvi ha interpretato il racconto ‘Galvano e l’orrenda dama’, catturando l’attenzione del pubblico. Si sono poi alternate le premiazioni, per la sezione libro edito ha vinto Luciana Raggi, al secondo posto Stefania Onidi, terzo posto per Nunzio Granato, menzioni d’onore a Liliana Manetti, Laura Pezzola, Barbara Bracci, Costanza Lindi, Laura Pecoraro, Valentina Meloni, Patrizia Portoghese, Bartolomeo Bellanova, Claudio Fiorentini, Vincenzo Monfregola. Lorenzo Spurio ha assegnato il Trofeo Euterpe a Tiziana Mignosa. Per la sezione poesia a tema natura prima classificata Manuela Magi con la poesia ‘L’universo ferito’, al secondo posto Gianni Di Giorgio, terzo posto a Daniela Taliana, menzioni d’onore a Donato Loscalzo, Sebastiano Impalà, Antonella Monaco, Enrico Danna, Cristina Biolcati, Marco Marra, Silvana Famiani, Christian Ronchetti. Erano presenti anche gli autori Antonella Proietti, Michele Zacconee Furio Ortenzi, premiati al terza ragunanza 2concorso di poesia e racconti ideato da Santo Tornabene con il Comitato Monteverde Nuovo, una sinergia tra realtà del quartiere. Il poeta Bartolomeo Bellanova ha poi presentato la rivista on line ‘La macchinasognante’, attiva in progetti di impegno culturale e sociale, contenitore di scritture dal mondo.

Avvolgente e densa di significato la coreografia ‘Natura è’, una perfetta intesa tra danza e poesia in diverse lingue, a simbolo dell’integrazione culturale e dell’universalità della scrittura in versi. Bravissimi HanadSheick, ThakurPayel, KhatriHimalay, Luisanna Margarita Arias Romero, IbrahimaBaThiecome, Marisa Di Cecca, Elena Arceci, Brenda Riccio.
Ottima l’interpretazione di Chiara Pavoni con il monologo ‘La mia terra santa’, un omaggio ad Alda Merini. L’evento è stato patrocinato dal Consiglio regionale del Lazio, da Roma Capitale Municipio XII, Ambasciata di Svezia ed è promosso da A.P.S. Le Ragunanze, Magic BlueRay, Turisport Europe, Golem Informazione, Associazione Culturale Euterpe, Edizioni Il Viandante.

 Quando l’arte diventa beneficienza: è infatti il titolo che ben si addice a questa nuova iniziativa a scopo benefico promossa dalla Segreteria per la Comunicazione dello Stato della Città del Vaticano e dei Musei Vaticani, in collaborazione con il Centro Televisivo Vaticano e Officina della Comunicazione.

Il progettò è stato presentato nel Salone di Raffaello della Pinacoteca Vaticana, alla presenza del Prof. Antonio Paolucci, Direttore dei Musei Vaticani , di Mons. Dario Edoardo Viganò, Prefetto della Segreteria per la Comunicazione e da Christo, celebre artista bulgaro naturalizzato americano.

“Christo, il campione dell’arte-evento” , dichiara il Prof. Paolucci, “ quello che impacchetta i monumenti per farci capire che, nel tempo della democrazia dei consumi, l’unica che esiste sotto il cielo, tutto è diventato prodotto consumabile e digeribile, oggi impacchetta Raffaello. Lo fa per sovvenzionare l’Ospedale Pediatrico di Bangui, nel cuore più disperato dell’Africa Nera.

Mirabile esempio di eterogenesi dei fini. Giulio II aveva chiamato Raffaello per esaltare la gloria sua e della sua Chiesa. Un altro Papa, Francesco, usa Raffaello per un atto di misericordia verso i più poveri fra i poveri.”

L’opera di Christo prende corpo da un particolare de La Scuola di Atene di Raffaello, il più celebre degli affreschi delle stanze Vaticane. L’artista, ha infatti scelto di concentrare la sua attenzione sugli occhi di una figura di un giovane, il cugino di Papa Giulio II, dipinto accanto a Parmenide.

La forma e la dimensione hanno permesso all’opera di essere il modello per la realizzazione di 300 cofanetti numerati e firmati da Christo. I multipli saranno quindi venduti con la collaborazione della casa d’aste Christie’s.

“Quest’opera ha per la Segreteria per la Comunicazione”, commenta Mons. Dario Edoardo Viganò, “una duplice valenza. Innanzitutto rappresenta il segno concreto dell’interesse della Comunicazione della Santa Sede per la contemporaneità e per il linguaggio che la contraddistingue. Christo è uno dei maggiori esponenti dell’arte contemporanea mondiale;e l’originale dell’opera che donerà alla Segreteria sarà il segno concreto di questo sodalizio che vede tra i protagonisti anche i Musei Vaticani.

Il secondo aspetto riguarda il legame tra arte, cultura e solidarietà. L’opera d’arte che diviene dono per l’umanità ma anche occasione per realizzare una concreta opera di beneficienza. E’ stato il Santo Padre ad indicare a chi indirizzare la raccolta fondi: all’Ospedale Pediatrico di Bangui che il Papa ha visitato nel suo recente viaggio in Africa, in quel paese in cui il Pontefice ha deciso di aprire solennemente la porta della cattedrale, un’anteprima all’apertura dell’anno giubilare, una prima porta aperta alla Misericordia.”

E così l’arte contemporanea a volte inquieta che aleggia nei sofisticati salotti di New York, in virtù di quella Misericordia che Papa Francesco va invocando in tutto il pianeta, si involerà “impacchettata” in segno di solidarietà verso quel mondo dei più poveri fra i poveri.

È denso di impegni il maggio dei Musei Vaticani, si susseguono a raffica presentazioni di eventi, di pubblicazioni e di restauri.
Sei milioni di visitatori all’anno marciano verso la Cappella Sistina attraverso il percorso obbligato delle Gallerie. Circa trecento metri la distanza da coprire suddivisa in tre parti: Galleria dei Candelabri, Galleria degli Arazzi e Galleria delle Carte Geografiche. La prima e l’ultima, sono state oggetto di restauro, che ha riguardato, in particolare, le superfici dipinte.
La Galleria delle Carte Geografiche è quella che attira maggiormente la meraviglia dei turisti, coinvolti in un turbinio di colori, fra tutti, sovrasta il blu profondo dei mari e poi gli stucchi e le grottesche sulla volta.
É Gregorio XIII Boncompagni, il papa che ha introdotto il calendario gregoriano nel 1582 e che ha fondato l’osservatorio astronomico del Vaticano, ad aver commissionato la decorazione della Galleria. Era l’epoca delle scoperte geografiche che avevano determinato anche la moda di decorare con le carte le dimore gentilizie.

La progettazione viene affidata al cartografo, domenicano, perugino, Egnazio Danti, mentre l’esecuzione, tra il 1580 e il 1581, spetta ad un gruppo di pittori manieristi tra i quali l’orvietano Cesare Nebbia e il bresciano Girolamo Muziano, protagonisti della storia della pittura, profondamente trasformata, dai dettami del Concilio di Trento e paesaggisti fiamminghi come Paul Bril.
A lato della porta di entrata, la memoria della Battaglia di Lepanto vinta da Marcantonio Colonna nel 1571 contro la flotta turca, a seguire, sulla sinistra, la carta dedicata alla città papale di Avignone, quindi si entra in Italia. La si percorre tutta, da sud a nord, costeggiando sulla sinistra le coste tirreniche, mentre sulla destra quelle adriatiche. Alla fine l’Italia intera, antica a destra, nuova a sinistra, guardando la porta d’uscita, circondata dalle quattro città portuali più importanti: a destra Venezia, con piazza S. Marco in evidenza ed Ancona, a sinistra Genova e Civitavecchia.

Fig. 4
Carta raffigurante l'Italia Antiqua

Diverse sono le curiosità, le più macroscopiche sono l’inversione dell’orientamento sud-nord di alcune carte e la presenza della Corsica, non ancora francese. Nelle carte sono riportate le scale metriche e sono segnate le città e i paesi più importanti, illustrati in dettaglio in riquadri interni che mostrano le mappe topografiche. Dei cartigli spiegano gli episodi storici salienti che vi sono riportati, ad esempio la battaglia tra Annibale e l’esercito romano presso il lago Trasimeno nel III secolo a.C.
Il restauro ha riguardato la pittura, realizzata sia con la tecnica ad affresco sia a secco, soprattutto per quanto riguarda i particolari, per le dorature è stata usata la tecnica a missione. La decorazione è stata restaurata più volte, a partire già poco tempo dopo l’esecuzione, probabilmente, proprio la velocità di quest’ultima, ha determinato i problemi di adesione che hanno reso necessari i diversi restauri.
Le indagini diagnostiche hanno portato all’identificazione dei pigmenti e anche dell’adesivo/consolidante funori, un polisaccaride estratto dall’alga rossa Gloiopeltis furcata presente nell’Oceano Pacifico, estremamente costoso. Per questo il Laboratorio di Diagnostica per la Conservazione e il Restauro dei Musei Vaticani ha messo a punto un sistema di estrazione e purificazione per contenere la spesa.
La Galleria dei Candelabri, invece, deve il suo nome alle coppie di candelabri marmorei, ai lati di ogni arco, che suddivide in sezioni il corridoio. Lo spazio è fittamente stipato di sculture, sarcofagi, vasi e urne di marmo, che offrono esempi di tutti i diversi tipi di questo materiale. Le opere fanno parte del Museo Pio Clementino, una delle grandi collezioni di arte antica dei Musei Vaticani. Il restauro ha riguardato la decorazione pittorica della volta, realizzata alla fine del XIX secolo per volere di Leone XIII, autore nel 1891 dell’enciclica Rerum Novarum, fondamento teorico della dottrina sociale cattolica.
Lo stemma del papa affiancato dalle personificazioni delle virtù Fortezza e Prudenza, campeggia sulla volta all’ingresso, nella sezione successiva sono raffigurate tutte le arti benedette dalla Religione, compresa la moderna fotografia, rappresentata da una vecchia macchina, che ha l’aspetto di una scatola con un obiettivo. Una delle due scene laterali, ricorda l’ingresso nelle collezioni papali del grande dipinto che celebra la vittoria del re polacco Giovanni III Sobieski sull’armata turca a Vienna nel 1683, esposto in una delle sale dell’ex appartamento di S. Pio V a cui ha dato il nome. Dopo le arti è l’allegoria della storia protagonista nella sezione seguente. Poi è ricordata la monumentale e onnicomprensiva opera speculativa di S. Tommaso d’Aquino. La penultima campata è decorata con scene più piccole a monocromo, mentre nell’ultima, con motivi decorativi, si trova il busto del papa, affiancato dalle personificazioni di Teologia e Poesia.

Gli autori sono il perugino Annibale Angelini, il romano di padre bavarese Ludovico Seitz e il Romano Torti. Angelini, oltre che pittore è anche scenografo, restauratore e decoratore, allievo del pittore romantico Tommaso Minardi, ha lavorato per le famiglie nobili, a Roma restano sue testimonianze anche al Palazzo del Quirinale, e alcune “miniature” nella cupola di S. Pietro in Vaticano, ha insegnato prospettiva presso l’Accademia di S. Luca. Seitz, figlio d’arte, risente dell’influenza dei pittori nazareni Overbeck e Cornelius, ha decorato diverse chiese romane, è stato membro della Congregazione dei Virtuosi del Pantheon e dell’Accademia di S. Luca, nel 1887 è stato nominato Ispettore delle Pitture dei Sacri Palazzi Apostolici, nel 1894 Direttore delle Gallerie Pontificie. Torti ha lavorato a Nepi, a Frascati, a Piazzola sul Brenta e a Fassolo vicino Genova.

Frutto del restauro, consistito nella spolveratura, nel fissaggio della pellicola pittorica e delle dorature, nella pulitura, nel stuccatura delle lacune e consolidamento degli intonaci e nella presentazione estetica, sarà la pubblicazione di prossima edizione, corredata anche di ricerche d’archivio e bibliografiche.

La mano dell'Angelo punta alla luce che entra dalla finestra, il bel volto rivolto dalla parte opposta, il corpo avvitato in una piroetta d'atterraggio, enfatizzata dal vorticoso moto delle vesti. L'impeto improvviso, sconvolge la quiete della Vergine, che si ritrae istintivamente, tutti i muscoli contratti, il battito del cuore sospeso dal colpo dello spavento. La seggiola, urtata dall'improvviso ritrarsi, è in precario equilibrio. Così Francesco Mochi descrive l’Annunciazione tra il 1603 e 1608. Concepita per il Duomo di Orvieto, insieme agli Apostoli, faceva parte della decorazione barocca, violentemente rimossa, quando la moda purista ha voluto riportare ad un finto, perché ricostruito quasi dal nulla, aspetto medievale, la cattedrale.

Solo pochi anni fa le sculture, bistrattate dalle rimozioni del 1897 dal Duomo e del 1989, da Palazzo Soliano, seguita, quest'ultima, dal nascondimento, hanno ritrovato dignità, nel suggestivo allestimento nella ex chiesa di S. Agostino, parte del complesso espositivo del Museo dell'Opera del Duomo, nel 2006. Allestimento suggestivo dell'effetto luce per l'Annunciazione e del candore delle pareti per le statue degli Apostoli, ma lo spazio è forse un po' ristretto, rispetto all'originario, tanto da aver "impedito" il trasferimento anche delle basi delle sculture.
Francesco Mochi è uno degli scultori più importanti del Seicento, sua la Veronica, nella nicchia di uno dei pilastri della cupola di San Pietro in Vaticano. Tra gli altri autori delle statue degli Apostoli, realizzate tra il XV e XVIII secolo, Raffaello da Montelupo, Francesco Mosca, Ippolito Scalza, Giambologna.
Dagli anni Ottanta del Novecento, si pensa di far tornare al loro posto le statue barocche.
Il convegno tenutosi in "campo neutrale" ai Musei Vaticani, ha fatto il punto della situazione.

In apertura, con un nostalgico e felice colpo di scena, Antonio Paolucci, Direttore dei Musei Vaticani, ha presentato il documentario del 1996, parte del ciclo «L'arte negata», che riportava l'opinione, favorevole al rientro, dello storico dell'arte, Federico Zeri.
Alla presenza dei rappresentanti delle autorità coinvolte nella decisione: Diocesi, Opera del Duomo, Ministero dei Beni Culturali e Turismo, Istituto Superiore per la Conservazione e il Restauro, Università, sono state presentate le relazioni.
Tra queste, quella di Giuseppe M. Della Fina ha ripercorso la posizione di Cesare Brandi, storico dell'arte, padre della teoria del restauro; Gisella Capponi ha, invece, illustrato le distruzioni e la a-storicità del restauro purista, ma anche le incongruenze del riallestimento, che produrrebbe sostanzialmente un altro falso storico e pesante manomissione, anche se la buona conservazione delle basi delle statue e il "costo ridotto", sono punti a favore.
Ai posteri, molto probabilmente molto prossimi, l'ardua sentenza.

Una Venezia soleggiata e primaverile accoglie ancora una volta le opere di Sigmar Polke (1941-2010), questa volta nella prima retrospettiva italiana negli spazi affascinanti di Palazzo Grassi, nella città dove fu premiato con il Leone d'Oro alla Biennale nel 1986; quest'anno infatti ricorre il trentesimo anniversario della sua partecipazione all'evento internazionale, mentre segna il 75esimo anniversario della sua nascita.
L'esposizione che gli viene dedicata comprende opere provenienti dalla Collezione Pinault e altre da importanti collezioni private e pubbliche, e ripercorre l'intera carriera dell'artista dagli anni Sessanta agli anni Duemila offrendo al fruitore ogni tecnica utilizzata dall'autore, tra le quali installazioni e film.

Sigmar Polke, figura artistica fondamentale degli ultimi cinquant’anni, ha profondamente rinnovato il linguaggio pittorico della fine del XX secolo. Il suo incessante desiderio di sperimentazione riguarda tanto le immagini – delle quali mette in discussione la gerarchia e analizza la manifestazione – quanto il supporto, coinvolto al punto di essere pienamente costitutivo della composizione e, ancora, i colori di cui insegue le potenzialità sia fisiche sia plastiche. Il suo approccio si sviluppa attraverso media differenti: la pittura e il disegno naturalmente, ma anche la fotografia, la fotocopia, il film, l’installazione, che all’interno della sua opera si incrociano e arricchiscono vicendevolmente. La sua pratica si colloca in una prospettiva di rivitalizzazione del potere sovversivo dell’arte e si fonda tanto sulla destabilizzazione dei meccanismi di percezione quanto sul rivolgimento dei generi e delle categorie.
In occasione della Biennale del 1986, Sigmar Polke ha ideato un’installazione straordinaria per il Padiglione tedesco, intitolata Athanor. Dall’opera che associava pittura figurativa o astratta e installazione, partendo dai colori termosensibili applicati direttamente sui muri di pietra di quarzo e meteorite, emergevano fondamentalmente due tematiche, l’alchimia e la politica, individuate oggi come assi portanti dell’esposizione di Palazzo Grassi. Tuttavia, per rispettare lo spirito dell’artista profondamente refrattario a ogni sistematizzazione e a ogni regola prestabilita, il percorso si emancipa regolarmente da questo schema, derogando tanto alla tematica quanto alla cronologia.

L’esposizione inizia presentando per la prima volta nel patio centrale di Palazzo Grassi Axial Age (2005-2007), ciclo monumentale di sette dipinti (fra cui un trittico) esposto nel Padiglione centrale della Biennale nel 2007. Questo capolavoro affascinante, vero e proprio testamento artistico di Polke, evoca l’intreccio originale tra visibile e invisibile e le differenze tra pensiero e percezione, facendo sempre riferimento alla teoria di Karl Jaspers sull’età assiale.
La mostra si sviluppa poi sui due livelli del palazzo secondo un percorso cronologico a ritroso, dalla fine degli anni 2000 all’inizio degli anni sessanta, disseminato di cicli eccezionali come Strahlen Sehen (2007), serie di cinque dipinti sulla visione e i suoi ostacoli, Hermes Trismegistos (1995), magistrale evocazione in quattro parti del fondatore dell’alchimia, Magische Quadrate (1992), sette variazioni madreperlate sui quadrati magici e sui pianeti, Laterna Magica (1988-1992), composto da sei pannelli dipinti sul recto e sul verso in cui il quadro si fa vetrata o Negativwerte (1982), tre dipinti di un viola intenso e tossico. Queste opere permettono di cogliere per intero l’ambizione della pratica di Sigmar Polke sulla tematica dell’alchimia delle forme e dei colori a partire dall’inizio degli anni ottanta.
Il suo gusto per la sperimentazione della materia pittorica si manifesta anche nei piccoli formati con la serie dei Farbprobe, summa di tutte le possibilità in termini di mescolanza di materiali eterogenei, così come emerge il suo piacere nel giocare con le immagini secondo modalità diverse: manipolandole con la fotocopiatrice (Für den Dritten Stand bleiben nur noch die Krümel, 1997), sovrapponendole come nelle trasparenze di Picabia (Alice im Wunderland, 1972) o frammentandole grazie all’ingrandimento della trama fotografica (Man füttert die Hühner, 2005). Un piacere del gioco che, nell’artista, è sempre sinonimo di umorismo e leggerezza.
951820FF A35B 4EA2 930D AFDAE63417C7Insieme a queste opere aperte su ciò che si trova oltre le apparenze, dove figurazione e astrazione si confondono, l’artista, fedele all’approccio critico nei confronti della società contemporanea adottato fin dagli esordi, continua a realizzare dipinti dalla forte connotazione storico-politica. Il percorso espositivo ne riunisce alcuni fra i più rappresentativi, come Polizeischwein (1986), e Amerikanisch-Mexikanische Grenze (1984), incentrati rispettivamente sulle forze dell’ordine e sulle frontiere ed entrambi presenti alla Biennale del 1986, ma anche come Hochstand (1984) sui campi di concentramento e Schiesskebab (1994) sulle guerre fratricide della ex Jugoslavia... Alcune opere aventi per soggetto la Rivoluzione francese, come Jeux d’enfants (1988) o Message de Marie-Antoinette à la Conciergerie (1989), evocano il rapporto di Sigmar Polke con la Storia.

Gli anni settanta sono rappresentati da un’importante selezione di lavori che illustrano sia la frenesia iconoclasta di Polke in questo periodo – come Cameleonardo da Willich (1979) con la sua sovrapposizione di caricatura e fumetto – sia la sua volontà di sperimentare tecniche pittoriche a 360 gradi: ne sono un esempio Untitled (1970-1971) e la sua fioritura cromatica o Indianer mit Adler (1975), con i dipinti metallizzati realizzati con la vernice spray e l’utilizzo delle sostanze psicotrope più diverse cui rimandano i funghi di Alice im Wunderland, 1972.
Al termine del percorso espositivo, infine, gli anni sessanta fanno luce sulla genesi di quest’arte fuori del comune. In Telepathische Sitzung II (William Blake - Sigmar Polke, 1968) emerge l’interesse per i fenomeni paranormali già manifestato dall’artista, mentre la celebre Kartoffelhaus (1967/1990), un capanno da giardino costellato di patate, attesta in particolare il suo gusto per l’assurdo e i suoi legami con Fluxus. La sua attenzione si focalizza sulla pittura con la messa a nudo dei meccanismi dell’immagine fotografica nei dipinti basati sulla trama di quest’ultima, Interieur (1966) o Vase II (1965), gli ammiccamenti all’estetica del kitsch, con Reiherbild I (1968), o alle manie della modernità con Bohnen (1965) e Schrank (1963). Polke assimila anche la questione del supporto del dipinto attraverso l’utilizzo di tessuti stampati i cui motivi decorativi dialogano con il soggetto dipinto, come in Das Palmen-Bild (1964) o Lampionblumen, 1966.
A complemento dell’esposizione saranno presentati i Venice Films (1983-1986) e alcune serie di fotografie. Al Teatrino di Palazzo Grassi sarà inoltre proiettata in autunno una selezione dei film più significativi dell’artista.

La mostra, che resterà aperta fino al 6 novembre 2016, è stata ideata da Elena Geuna, curatrice indipendente e consulente d'arte contemporanea e Guy Tosatto, direttore del Musèe de Grenoble, in collaborazione con The Estate of Sigmar Polke e ruota intorno a due grandi temi: l'alchimia e la politica.

SIGMAR POLKE
Palazzo Grassi
Campo San Samuele 3231 - Venezia
17 aprile 2016 - 6 novembre 2016

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